...CRISTINA GENEIRO (PURALINEA) -

Inaugurando este espacio con una sirena ilustradora y heavy metal

El Universo de Puralinea es un océano, es un mar de ballenas con alas de paloma, de sirenas rebeldes, de brujas modernas y de seres metamórficos creados a su antojo. En su mar lo visceral nada al lado de la racional para trastocarlo, sus ilustraciones no pasan desapercibidas: te estremecen, te incomodan, te deleitan con su belleza grotesca, cruda y agridulce. Su linea es clara, limpia y cortante. Su estética de un aire retro y un color conceptual que siempre refuerza su mensaje. Sus protagonistas en su mayoría son mujeres: a veces en papeles trasgresores, otras protagonizando secuencias de temática dadá y otras hablando con su cuerpo, pues el desnudo femenino tiene un claro puesto dentro de su obra. La obra de Cristina es mágica pero familiar, es kitsch y pop, es folclórica y snob, su lenguaje se construye en el contraste, en el choque de conceptos inverosímiles y que hace convivir.

Cristina Geneiro Aragón (Cádiz, 1982) conocida como Puralinea, estudió Bellas Artes en Sevilla y Barcelona. Sus primeros tres años de la carrera los realizó en la Universidad de San Pablo (Sevilla) y allí fue donde coincidí con ella. Fuimos compañeros de clase. Y ya por aquel entonces Cristina era de esas artistas que brillaba con su luz propia, ella y su arte tenían mucho que decir.

Hoy aunque estemos a más de 500 kilómetros de distancia estaremos un rato juntos, de manera virtual, pero nos tomaremos un vinito juntos. Con ella inauguro mi sección de entrevistas en mi blog “Un Vinito con…” en el que quiero crear un espacio donde ayudar a dar a conocer artistas. ilustradorxs, dibujantxs y comiquerxs que están luchando por hacerse un hueco y vivir de lo que hacen.

Tengo suerte de que Cristina este ahora en Cádiz, porque hace muy poco estaba por Filipinas pintando un mural para una escuela con el proyecto Riding Colors. Pero bueno, no me entretengo más que tengo a Cristina al otro lado esperándome.

– ¡Hola Cristina! Acabo de hacerte una introducción, pero quiero que tú nos cuentes mejor. Así que mi primera pregunta es…¡Pum!, ¿Quién es Cristina Geneiro o Puralínea?

Vaya tela, empezamos fuerte. Nunca he sido una persona con demasiada autoestima o un ego demasiado grande como para poner mi nombre y apellidos y que eso me identificara como artista, también había al principio mucho miedo al fracaso y sin mi nombre real era más fácil esconderme u olvidarlo. Usar otro nombre es un reflejo de cómo soy: una mujer con muchas personalidades, parcelas diferentes y ganas de jugar al despiste!. Quiero pensar que estoy aún por definir y con muchas cosas por vivir.

¿Por qué Puralínea?

Porque me identifico mucho con la línea, me cuesta expresarme sólo a través de manchas o color, me gustan los dibujos muy bajos de color, con uno o dos tonos o blanco y negro directamente. Me gustan las cosas limpias, estéticamente simples, y quería llegar a eso, o al menos intentarlo. Por eso el nombre de Puralínea que empieza por Pura, que puede ser un nombre de mujer y conceptualmente resumía lo que quería transmitir. Llegar a la esencia de la línea.

– Ahora vives en Cádiz, ¿qué tiene La Tacita de Plata para que vuelvas? Porque sé que viviste en Barcelona varios años.

Viví en Barcelona más de cinco años por estudios, trabajo y amor; exprimí la ciudad al máximo y ella a mí, pero acabé volviendo al sur; y por aquí me he movido entre Cádiz y Sevilla según eran las circunstancias personales. Volver a Cádiz es de estar como una cabra y un poco suicidio laboral, aunque es mi casa, es una de las ciudades con más paro de España. Ahora mismo vivo en mi barrio, cerca de mis padres y del mar, que es lo más importante para mí si elijo ciudad para vivir. El que una ciudad tenga mar influye muchísimo en mi estado de bienestar, necesito amplitud de miras, poder irme a la playa, dar un paseo, sentarme y ver las olas. Sentirme pequeña ante el océano hace que relativices todo lo que te pasa y que los problemas sean minucias. Todo esto afecta el estado emocional de una y al final salen mejor las cosas. Así que el lado romántico de estar aquí es el mar, la realidad es que las circunstancias obligan!!

– Bueno aunque en Cádiz tienes tu mar, tu casa, tu gente… también sé que has viajado varias veces a otros lugares para llenarlos con tu arte. Tu último viaje fue a Filipinas ¿no? ¿qué hiciste allí concretamente?.

Pues el viaje a Filipinas fue gracias a Adrián Torres, también compañero nuestro de la facultad de Sevilla. Él ha creado Riding Colors, y con RC se dedica a llevar el arte, color y talleres para asociaciones, fundaciones y Ongs que trabajan con la infancia en entornos desfavorecidos. Adrián empezó a ofrecerse como voluntario para pintar las paredes de sus escuelas, comedores u orfanatos, para que niños que no salen del orfanato, tuviesen más color y alegría en sus espacios. El año pasado, RC decidió contar con un equipo para Filipinas. Así que desde España fuimos Adrián y yo, como parte de Arte y Gala Robles, como coreógrafa y bailarina. En Filipinas, nos reunimos con un artista local, Gringo Benedicto y con una artista de Malasia, Caryn Koh. Fue una experiencia maravillosa pero muy dura por los casos de cada niño. Estuvimos tres semanas conviviendo en un orfanato, propiedad de Kalipay Negrense (que es la asociación que trabaja con estos niños). Había clases de danza y nosotros que pintamos la escuela, pues Adrián ya había trabajado en otros espacios comunes en viajes anteriores. Aportamos también murales al orfanato de los niños más pequeños.

– Te aportaría un montón de cosas esta experiencia, ¿no?

Fue una experiencia muy reconfortante, llegar y ver que los niños se emocionan solamente por ver gente nueva. Sus condiciones de vida son duras, cualquier caso de aquellos niños en España o Europa daría para no sé cuantos telediarios, denuncias sociales o incluso cambio de leyes. Cuanto más sabías más costoso se te hacía estar allí, pero también más gratificante. Así que trabajamos todos los días y muy contenta con el resultado, pinté tres murales: unos pandas para los niños pequeños, una sirena con un pulpo y unas medusas para los niños del colegio y uno último que era algo simbólico de unas manos haciendo un corazón que reflejaba mis sentimientos amor y agradecimiento. Es una experiencia que jamás olvidaré y tengo muchísimas ganas de repetir.

– Ya sabes que te sigo en tus redes, veo que no paras y que le estas dando fuerte a la pintura mural. He visto el mural que hiciste para el refugio de perros en Conil. ¿Cómo surgió esa idea? ¿Contaste con algun apoyo para hacerlo (económica, de otros artistas)?

Pues mira el mural está en Refugio Kimba. Dentro de ese refugio, que acoge a todo tipo de perros y también gatos, está la Asociacion Amigo Galgo, pues el número de galgos que acogen es muy alto y necesitan su espacio propio. AAG contactó con nosotros a través de RC para ver si podíamos hacer un mural con el que fomentar la adopción de los perros en los vídeos, mejorar el entorno para que se viera más bonito y el perro estuviera más alegre. Como Adrián estaba en el extranjero fui en nombre de RC a pintar el mural con la ayuda de Maite Ledesma, pintora de Conil. Finalmente hicimos dos murales y fue una experiencia muy satisfactoria, más que nada por conocer la labor que hacen desde AAG y poder estar allí con los animales.

– La verdad es que en el arte parece que cuando nos volcamos para ayudar a otras personas todo cobra más sentido. Pero es complicado cuando decides vivir de lo que haces, ¿tú cuando te viste como artista?¿cuando decidiste tirarte a la piscina con tu arte o al mar cual Sirena?

Jaja, me gusta mucho lo de tirarme al mar cual Sirena. Pues mira, al final uno hace la carrera y cuando sales, yo creo que el 90% de los compañeros, nos encontramos ante un vacío tremendo porque no sabemos por dónde tirar. Poca gente conozco yo que haya conseguido vivir bien de lo que hace. Cuando terminé Bellas Artes trabajé como dibujante profesional en Barcelona, en una empresa de retratos por encargo, una cosa un poco extraña, pero que me hizo sentir realizada como profesional. Después vino la vuelta a Cádiz y el trabajo en un museo de Arte Contemporáneo, hasta que llegó la crisis y cambios en el equipo. Me fui a Sevilla y allí no encontré más que trabajar como teleoperadora. Durante dos años y medio atendiendo llamadas se forjó la osadía de dejar un trabajo estable pero que me mataba por dentro, nadie llama a su compañía de buenas maneras!! Mi ánimo bajaba, pero me salían encargos y exposiciones, así que verme en aquel entorno hizo que apostara por mí misma. Ha sido un proceso muy largo, verme con seguridad de poder hacerlo. Y ahí sigo, intentando sobrevivir y hacer lo que más me gusta.

– ¿Cómo ves la situación actual en el arte en lo que a ti te respecta, en cómic – ilustración?

La veo difícil, pero con esperanza. Con esperanza porque creo que el terreno de la ilustración está bien considerado por el público. La gente quiere personalizar sus espacios. Ahí la ilustración tiene mucho que decir. Por lo menos yo veo que se venden muchos prints y láminas, y que la gente confía en los ilustradores. También hay un auge de la ilustración artesanal, la acuarela, el lápiz, todo esto se ve muchísimo. Creo que hemos llegado a un tope de todo lo digital: hace diez años era el futuro, todo era diseño gráfico, todo tenía un toque muy limpio, muy de Adobe Illustrator y ahora, sin embargo, vuelve el gusto por lo hecho a mano, por el trazo, por la huella humana. Con el cómic, sobre todo lo que es Novela Gráfica, todo el mundo tiene aunque sea una de referencia o un autor. Se ha vuelto un objeto muy “regalable”. Veo interés, otra cosa es que sea difícil, por los precios, por los sueldos, por el margen de beneficio que uno se lleva… Los beneficios son tan mínimos y el esfuerzo del artista tan grande que en ese sentido si que hay un mundo por delante. Pero quiero pensar que cambiará a mejor.

– Cuando creas ¿que es lo que crees que aporta tu obra al panorama artístico actual?-

Ostras, complicado. Yo creo que todo está inventado. Una va haciendo versiones y aportando su toque personal pero tras tantos años y tanta gente dibujando y pintando es difícil hacer algo que se distinga del resto. Siempre hay una reminiscencia o un recuerdo a algún artista del pasado o contemporáneo. Yo te puedo decir lo que intento: intento siempre que haya una idea detrás. A veces dibujo porque me apetece hacer algo y ya está. Pero siempre busco que haya una historia, que al menos de a pensar algo sobre lo que estás viendo, una mínima duda de que es lo que está pasando. Por eso paso muchísimo tiempo pensando qué es lo que voy a hacer más que dibujando.

– Tu obra es muy impactante la mayoría de las veces, aunque sea una obviedad ¿Te sientes libre al crear?¿te pones limites cuando creas?

Si te soy honesta, libre cien por cien no. Y no por muchos motivos. Primero, el propio entorno o tus recursos te limitan a no tener un estudio grande o usar ciertos materiales, no puedo hacer grandes formatos, ni volverme loca con la pintura, jaja. Y luego porque con tu obra te estás exponiendo, siempre hay una crítica, una mala interpretación, gente que te puede juzgar. Yo en ese sentido aún no me siento totalmente libre, no me siento con la capacidad de hacer un Saturno devorando a sus hijos de Goya versión contemporánea, por ejemplo. En ese sentido creo que aún me falta mucha libertad. Pero el hecho de dibujar y de ponerme al frente del papel me libera, porque al final las ideas aunque no las realice están en mi cabeza. Creo que poca gente pueda responderte a esa pregunta con un sí contundente. Todo pasa por algún filtro antes de salir y ese filtro somos nosotros mismos, que es una pena.

– Entonces¿Crees que las redes sociales que nos ayudan por un lado a difundir nuestra obra al mismo tiempo juegan un papel negativo con respecto a la libertad de expresión?

Una de las grandes privaciones de libertad que tenemos ahora mismo viene en gran medida por las redes sociales, donde estamos expuestos constantemente.

Para quienes queremos vivir de nuestro trabajo se nos está “enseñando” a crear una marca, algo muy definido y reconocible que nos distinga del resto. Pero esto puede ser una cárcel incluso para quienes parecen más libres. Joan Cornellá, por ejemplo, un tipo que me encanta y dibuja barbaridades al igual que Molg H. Ambos son liberadores en concepto, pero si alguno cambia su estilo o temática ¿Perderían su identidad, la gente los dejaría de reconocer, perderían contratos, seguidores? ¿es real toda la libertad que ahora tienen?. Por eso te digo que es muy difícil, las redes sociales encumbran y también masacran a golpe de click.

-¿Cuales son tus referentes?

Los dibujos de Gustav Klimt, Egon Schiele, Alfons Mucha y Aubrey Beardsley. Frida Kahlo y Munch, no estéticamente, sino por su capacidad de usar el arte de forma terapéutica y plasmar sus miedos y anhelos. Marina Abramovic en sus comienzos, por el uso de su cuerpo y su maestría conceptual. Y en cómic me fascinan Daniel Clowes, Charles Burns y Suehiro Maruo, por su pulcritud en el dibujo y lo bizarro de sus historias, me parecen brillantes.

De adolescente me influyeron mucho las portadas de discos de Heavy Metal, es un género musical que apuesta por la ilustración en sus portadas, casi todas me gustaban y pasaba mucho tiempo copiándolas, lo que acabó influyendo en que mis dibujos tengan un corte oscuro, grotesco y me atraiga el tema de la muerte, la brujería y el paganismo en general.

– A parte de un mundo mágico, de animales marinos, situaciones grotescas y otros elementos, en tu obra la presencia de la mujer es muy importante. ¿tiene que ver con dar visibilidad a la mujer en otros ámbitos, tu obra tiene un cierto sentido activista o de activismo feminista? Cuéntame un poco.

Mmmm, creo que la respuesta es un poco más simple. Lo dibujo porque es el que conozco más, es el que tengo y es el que a veces dibujo cuando necesito ciertas poses. Aparte porque soy una “esteta”, me gustan las cosas que, bajo mi filtro y criterio, considero bellas, y el cuerpo de la mujer es una maravilla, mucho más bonito que el del hombre. Me quedo embobada mirando cualquier cuerpo de mujer que me pueda resultar bello y de ahí que me guste más dibujarlo. También está mi relación personal con el pelo largo, que sí, que puede llevarlo un hombre, pero yo lo asocio más a la mujer (me da más juego dibujar a una mujer con una cabellera larguísima que a un hombre).

Con respecto al trasfondo feminista actualmente no entro a definir la lectura que puedan tener mis dibujos en ese sentido. La conclusión de cada dibujo la dejo al espectador, pero si alguna obra sirve para que una mujer se empodere pues genial. Ahora mismo creo que no es la temática principal de lo que hago. Tuve una época en la facultad que estaba muy con y por el tema de los malos tratos, violaciones e identidad de género. Hice mucho trabajo con temática feminista, eran además cosidos en tela.

Ahora me centro en dibujos en torno a las relaciones personales, y con mujeres como protagonistas. Libres para su interpretación!!

¿Crees que el activismo feminista sigue siendo importante en estos momentos en los que se dice que se ha conseguido la igualdad, que ya no es necesario? ¿lo tienes presente en tu obra?

Sigue haciendo falta. Me parece atroz el nivel de violencia hacia la mujer, me refiero al ensañamiento, la brutalidad, son carnicerías, algunas cometidas en grupo… Hay que erradicar esto. Me parece magnífico todo aquello que sea en pro de la igualdad, y el trato hacia las personas: mujeres, también enfermos de salud mental o personas con discapacidad.

Hace años toda mi obra trataba este tema, una época en la que en vez de dibujar cosía. Porque me parecía que el hecho de bordar, de ir clavando la aguja, era reafirmar lo doloroso que era ser mujer. Los dibujos giraban en torno a la violencia de género, unidos a la idea del amor: el amor idílico, en el que la mujer al final tiene que estar al servicio del hombre. Creía interesante sacar eso a relucir y sobre todo cómo se nos relaciona con dolor: dolor al parir, dolor por menstruar, las dolorosas, las vírgenes… parece que las cosas nos tengan que doler más. Trabajar con agujas, a las cuales les tengo fobia, lo hizo aún más simbólico.

El último proyecto que he estado realizando es una ilustración para el cartel de Amansa a las fieras, un festival de cantautoras que organiza la asociación Asexorate. Es muy curioso porque intentan abordar la violencia de género a través del amor, que las relaciones se lleven de una manera sana para evitar la violencia. Me parece un punto de vista precioso y quise colaborar desde el principio.

–¿Cómo es tu proceso? Cuéntame como nace una idea y se convierte en lo que vemos los demás.

Mi proceso es PENSAR, pensar y pensar. No sé si es el mejor método, Picasso decía: la inspiración llega trabajando…pero ponerme con el lápiz a hacer dibujos hasta que llego a una idea, no me vale. A veces cuando es un trabajo para terceras personas hago bocetos para mostrarle el proceso. Pero cuando es sólo para mí, no. Tengo que tenerlo muy claro en la cabeza hasta que dibujar se convierte en casi calcar de mi imaginación. Paso mucho tiempo buscando, miro ilustraciones de otros artistas, imágenes en internet, fotografía artística, de moda, etc, tengo un disco duro bastante potente dividido en colecciones, todo eso lo voy hilando hasta que tengo algo, lo visualizo y cojo el papel. Tengo que ver cada detalle para lanzarme.

– ¿Cuales son los proyectos que tienes para el futuro y en los que te hayas ahora inmersa?

Pues lo más inmediato y urgente ha sido sacar la tienda online, la terminé hace unos días ¡por fin!. Voy a preparar una exposición para marzo, aquí en Chiclana y luego dibujar por mi cuenta. También pintar, quiero darle al pincel, cuando haces murales le coges el gusto y quiero salirme de la ilustración. Me voy a autoliberar con los pinceles, jaja. Este año puede que haya algún mural por concretar y un proyecto de decoración en un bar. Por otra parte, estoy a la espera de que salga un libro-disco en el que he colaborado con dos ilustraciones. Y siempre abierta a encargos y propuestas interesantes.